세레나데 형식에 대하여
모차르트의 오페라 <돈 조반니>중 제2막에 사랑하는 여인 엘비라의 창가로 달려가 노래를 부르는 장면
이 있다. 달이 환하게 밝아 있고, 발코니로 나온 엘비라는 만돌린 반주에 맞추어 부르는 돈 조반니의
사랑스러운 노래 '나의 아름다운 보배여'를 듣고 행복에 겨워한다. 모차르트는 오페라를 작곡하면서 이
부분에다가 'Standchen'이라고 적어 놓았다. 즉 '세레나데'를 가리키는 말이다.
이것은 우리가 통상적으로 알고 있는 세레나데(Serenade)의 가장 기본적인 전형이다.
다시 말해서 세레나데는 달 밝은 밤에 연인의 창가에 나가 간단한 반주 악기와 함께 사랑의 노래를 부
르는 것을 말한다. 실제로 바로크 직후나 고전파 시대에 이러한 실례(實例)는 널리 성행했고 사랑을 구
애하는 보편적인 방법으로 사용되어 왔었다.
그러나 그것만을 세레나데라는 음악형식의 '모든 것'이라고 알아서는 큰 잘못이다. 오히려 연인의 창가
에서 부르는 밤의 노래라는 의미는 극히 한정적이고 부분적이다. 세레나데가 가지고 있는 구조적 아름
다움과 특성은 다양한 형식을 음악형태로 나타내 그 자체로서 하나의 장르를 이룰 정도로 풍성한 양적
질적 팽창을 보여준다.
세레나데를 우리 나라에서는 흔히 소야곡(消夜曲)이라고 부르기도 한다. 그러나 이러한 표기는 어디까지
나 일본식 발상에 지나지 않기 때문에 특별한 우리식 표현 방법을 찾지 못한다면 그냥 세레나데라고 부
르는 것이 휠씬 자연스럽다.
이 말은 원래 이탈리아어의 'sere(저녁 때)'에서 비롯된 것으로, 그 본래적인 말뜻에 가장 충실한 것이
앞서 예를 든 성악곡의 형태다. 이럴 경우의 세레나데는 그 창자(唱者)가 반드시 남성이어야 한다는 특
성을 가지고 있다. 아울러 선율미에 있어서도 단순하고 따라 부르기 쉬우며 간편한 악기를 동반하여 부
르는 것이 전형적인 형태에 세레나데라고 할 수 있다.
이런 모습의 세레나데는 그 용례(用例)가 다양해서 어느 특정한 형태의 음악에서만 쓰이는 것은 아니다.
<돈 조반니>의 경우처럼 오페라의 일부분으로 삽입되어 극의 흐름을 유연하게 함으로써 잠시 편안한
상태로 듣는 사람을 이끌어 가는 것도 한 방법이다. 그러한 예는 오펜바흐의 오페레타<호프만의 이야
기>에서도 찾아볼 수 있다.
이와는 별도로 순수한 연주회용 아리아에서도 세레나데의 기법이 쓰여지고 있다. 그러나 연주회용 세레
나데는 그 본래적 용법에 잘 맞지 않기 때문에 그렇게 널리 쓰이지는 않는다. 그 보다는 오히려 기악곡
의 발달과 함께 세레나데를 찾아보는 것이 휠씬 효과가 있다. 세레나데를 그저 '노래'로만 알고 있는 사
람들에게 기악적인 형식의 세레나데는 매우 신선하고도 흥미로운 음악이 아닐 수 없기 때문이다.
기악형식의 급격한 발달이 이루어진 18세기 중엽부터 작은 규모의 오케스트라에 어울리는 세레나데 음
악이 널리 쓰여져 왔다. 아마도 그 대표적인 작곡가는 모차르트일 것이며, 모차르트의 수많은 실내합주
용 작품을 통하여 세레나데 특유의 아름답고 우아한 분위기가 정착될 수 있었다.
그러나 모차르트는 이런 종류의 음악을 작곡하면서 단순한 음의 장난 정도로 여기고 쉽게 쓰지는 않았
다. 여흥과 오락을 위한 음악으로 세레나데가 작곡되었으면서도, 거기에는 모차르트 특유의 구조적인
아름다움 등이 잘 조화되어 순수 기악곡으로서도 손색 없는 우수함을 들려 주고 있는 것이다.
모차르트의 오케스트라용 세레나데 가운데 가장 유명한 것이 제13번 G장조다. 흔히 <아이네 클라이네
나흐트 무지크>로 잘 알려진 이 작품을 통하여 모차르트는 기악합주용 세레나데의 완벽한 정형(定型)을
보여주고 있는 것이다.
이 기악용 세레나데는 모차르트가 특히 관심을 두었던 분야이기도 해서 모두 13곡이 남아 있다. 그 중
에서도 부제(副題)를 달고 있는 제6번<세레나데 노투르나>, 제7번 <하프너>, 제9번<포스트 호른>, 그리
고 제10번<그랑 파르티타>같은 작품들은 순수 감상용 관현악곡으로도 널리 연주되고 녹음되어 폭넓은
사랑을 받고 있다.
모차르트는 세레나데란 이름 이외도 디베르티멘토, 카사치오네, 노투르노 등과 같은 여러 가지 형태의
음악을 작곡했지만, 이 모든 것들도 역시 넓은 의미의 기악합주용 세레나데의 범주에 든다고 볼 수 있
다. 따라서 음악사상 가장 뛰어난 세레나데 작곡가가 모차르트라고 해도 결코 잘못이 아니다.
세레나데는 모차르트 이후에도 관현악용이나 현악합주용으로 발전하여 그 본래적 목적에 상관없이 작곡
가들이 취향을 우아하게 이끌어가는 데 기여하고 있다. 예컨데 브람스가 남긴 두 곡의 오케스트라용 세
레나데가 그 대표적인 경우다. 이 경우에는 세레나데가 어떤 사랑의 뜻을 담은 노래라는 형식성으로부
터 완전히 이탈하여 순수하게 관현악적인 기법과 재능을 과시하는 표현수단으로 발전하고 있음을 보게
된다. 브람스가 세레나데 작곡에 뜻을 둔 것이 자신의 오케스트라 용법을 세련되게 가꾸어 보려는 실험
적 의미를 내포하고 있다는 것은 음미해 볼 만한 일이다.
브람스 이후에도 차이코프스키, 드보르작, 수크, 엘가 등의 작곡가들이 현악합주용 세레나데를 작곡했다.
이 음악들은 모두가 관현악을 제외한 순수 스트링 앙상블의 효과를 내고 있어서 그 유려하고 달콤한 분
위기가 사뭇 모차르트에 접근하고 있음을 보게 된다.
그러나 세레나데가 현악합주용으로 작곡되었다고 해서 그 기본 정신성이 원형의 의미를 완전히 탈피해
버렸다고 말하기는 어렵다. 아무리 현대적인 접근법으로 세레나데를 작곡했다고 하지만, 역시 이런 종류
의 음악에는 18세기적 사회 분위기가 은은하게 깔려 있음에 유의해야 할 것이다. 아무리 형태가 달라졌
다고 해도 세레나데는 역시 세레나데이기 때문이다.
모차르트의 오페라 <돈 조반니>중 제2막에 사랑하는 여인 엘비라의 창가로 달려가 노래를 부르는 장면
이 있다. 달이 환하게 밝아 있고, 발코니로 나온 엘비라는 만돌린 반주에 맞추어 부르는 돈 조반니의
사랑스러운 노래 '나의 아름다운 보배여'를 듣고 행복에 겨워한다. 모차르트는 오페라를 작곡하면서 이
부분에다가 'Standchen'이라고 적어 놓았다. 즉 '세레나데'를 가리키는 말이다.
이것은 우리가 통상적으로 알고 있는 세레나데(Serenade)의 가장 기본적인 전형이다.
다시 말해서 세레나데는 달 밝은 밤에 연인의 창가에 나가 간단한 반주 악기와 함께 사랑의 노래를 부
르는 것을 말한다. 실제로 바로크 직후나 고전파 시대에 이러한 실례(實例)는 널리 성행했고 사랑을 구
애하는 보편적인 방법으로 사용되어 왔었다.
그러나 그것만을 세레나데라는 음악형식의 '모든 것'이라고 알아서는 큰 잘못이다. 오히려 연인의 창가
에서 부르는 밤의 노래라는 의미는 극히 한정적이고 부분적이다. 세레나데가 가지고 있는 구조적 아름
다움과 특성은 다양한 형식을 음악형태로 나타내 그 자체로서 하나의 장르를 이룰 정도로 풍성한 양적
질적 팽창을 보여준다.
세레나데를 우리 나라에서는 흔히 소야곡(消夜曲)이라고 부르기도 한다. 그러나 이러한 표기는 어디까지
나 일본식 발상에 지나지 않기 때문에 특별한 우리식 표현 방법을 찾지 못한다면 그냥 세레나데라고 부
르는 것이 휠씬 자연스럽다.
이 말은 원래 이탈리아어의 'sere(저녁 때)'에서 비롯된 것으로, 그 본래적인 말뜻에 가장 충실한 것이
앞서 예를 든 성악곡의 형태다. 이럴 경우의 세레나데는 그 창자(唱者)가 반드시 남성이어야 한다는 특
성을 가지고 있다. 아울러 선율미에 있어서도 단순하고 따라 부르기 쉬우며 간편한 악기를 동반하여 부
르는 것이 전형적인 형태에 세레나데라고 할 수 있다.
이런 모습의 세레나데는 그 용례(用例)가 다양해서 어느 특정한 형태의 음악에서만 쓰이는 것은 아니다.
<돈 조반니>의 경우처럼 오페라의 일부분으로 삽입되어 극의 흐름을 유연하게 함으로써 잠시 편안한
상태로 듣는 사람을 이끌어 가는 것도 한 방법이다. 그러한 예는 오펜바흐의 오페레타<호프만의 이야
기>에서도 찾아볼 수 있다.
이와는 별도로 순수한 연주회용 아리아에서도 세레나데의 기법이 쓰여지고 있다. 그러나 연주회용 세레
나데는 그 본래적 용법에 잘 맞지 않기 때문에 그렇게 널리 쓰이지는 않는다. 그 보다는 오히려 기악곡
의 발달과 함께 세레나데를 찾아보는 것이 휠씬 효과가 있다. 세레나데를 그저 '노래'로만 알고 있는 사
람들에게 기악적인 형식의 세레나데는 매우 신선하고도 흥미로운 음악이 아닐 수 없기 때문이다.
기악형식의 급격한 발달이 이루어진 18세기 중엽부터 작은 규모의 오케스트라에 어울리는 세레나데 음
악이 널리 쓰여져 왔다. 아마도 그 대표적인 작곡가는 모차르트일 것이며, 모차르트의 수많은 실내합주
용 작품을 통하여 세레나데 특유의 아름답고 우아한 분위기가 정착될 수 있었다.
그러나 모차르트는 이런 종류의 음악을 작곡하면서 단순한 음의 장난 정도로 여기고 쉽게 쓰지는 않았
다. 여흥과 오락을 위한 음악으로 세레나데가 작곡되었으면서도, 거기에는 모차르트 특유의 구조적인
아름다움 등이 잘 조화되어 순수 기악곡으로서도 손색 없는 우수함을 들려 주고 있는 것이다.
모차르트의 오케스트라용 세레나데 가운데 가장 유명한 것이 제13번 G장조다. 흔히 <아이네 클라이네
나흐트 무지크>로 잘 알려진 이 작품을 통하여 모차르트는 기악합주용 세레나데의 완벽한 정형(定型)을
보여주고 있는 것이다.
이 기악용 세레나데는 모차르트가 특히 관심을 두었던 분야이기도 해서 모두 13곡이 남아 있다. 그 중
에서도 부제(副題)를 달고 있는 제6번<세레나데 노투르나>, 제7번 <하프너>, 제9번<포스트 호른>, 그리
고 제10번<그랑 파르티타>같은 작품들은 순수 감상용 관현악곡으로도 널리 연주되고 녹음되어 폭넓은
사랑을 받고 있다.
모차르트는 세레나데란 이름 이외도 디베르티멘토, 카사치오네, 노투르노 등과 같은 여러 가지 형태의
음악을 작곡했지만, 이 모든 것들도 역시 넓은 의미의 기악합주용 세레나데의 범주에 든다고 볼 수 있
다. 따라서 음악사상 가장 뛰어난 세레나데 작곡가가 모차르트라고 해도 결코 잘못이 아니다.
세레나데는 모차르트 이후에도 관현악용이나 현악합주용으로 발전하여 그 본래적 목적에 상관없이 작곡
가들이 취향을 우아하게 이끌어가는 데 기여하고 있다. 예컨데 브람스가 남긴 두 곡의 오케스트라용 세
레나데가 그 대표적인 경우다. 이 경우에는 세레나데가 어떤 사랑의 뜻을 담은 노래라는 형식성으로부
터 완전히 이탈하여 순수하게 관현악적인 기법과 재능을 과시하는 표현수단으로 발전하고 있음을 보게
된다. 브람스가 세레나데 작곡에 뜻을 둔 것이 자신의 오케스트라 용법을 세련되게 가꾸어 보려는 실험
적 의미를 내포하고 있다는 것은 음미해 볼 만한 일이다.
브람스 이후에도 차이코프스키, 드보르작, 수크, 엘가 등의 작곡가들이 현악합주용 세레나데를 작곡했다.
이 음악들은 모두가 관현악을 제외한 순수 스트링 앙상블의 효과를 내고 있어서 그 유려하고 달콤한 분
위기가 사뭇 모차르트에 접근하고 있음을 보게 된다.
그러나 세레나데가 현악합주용으로 작곡되었다고 해서 그 기본 정신성이 원형의 의미를 완전히 탈피해
버렸다고 말하기는 어렵다. 아무리 현대적인 접근법으로 세레나데를 작곡했다고 하지만, 역시 이런 종류
의 음악에는 18세기적 사회 분위기가 은은하게 깔려 있음에 유의해야 할 것이다. 아무리 형태가 달라졌
다고 해도 세레나데는 역시 세레나데이기 때문이다.
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