르네상스 시대(Renaissance Period) Raissance(시초, 탄생, 기원)
어원: 14-16세기 유럽에서 일어난 문예부흥운동, 고대 그리스, 로마의 학문과 지식을 부흥시키고자 했던 운동. ‘재생’, ‘부활’이란 뜻의 르네상스는 중세를 지나면서 흐려진 그리스, 로마인들의 인간의 개념에 대한 재생을 뜻했다. 그러나 점차 더욱 넓고 중요하게 그 의미가 확대 해석 되었다.즉 1000년동안 계속 되어온 기독교의 규범에서 벗어나서 정신과 지성의 소셍회복을 지향했으며 집단적, 전체적, 가치관 대신 주관적, 개인적 가치관의 표현을 앞세우게 되었다. 르네상스 정신이 생기게 된 연유를 정치적, 사회적 측면에서 본다면 중세 봉건제도가 허물어져 가고 시민사회가 새로운 힘으로 성장했으며 문화적, 사상적 측면에서 본다면 교회의 권력이 쇠퇴했고 여기에 반비례해서 인간의 자유와 개성적 표현이 존중되었다는 것을 지적할 수 있을 것이다. 따라서 르네상스시대의 가장 중요한 사상은 인본주의라고 할 수 있다. 인간존재의 존엄성과 자신들이 만들어 놓은 과거와 현재의 성취물을 재발견하는 시대를 의미하였다. 이것은 음악에 있어서 종교음악이 다소 쇠퇴하고 세속음악에 대한 관심이 확장되던 시기이다. 르네상스 음악의 특징으로는 시의 의미성을 표출하려고 하였으며, 시의 정서에 어울리는 표현이 존중되고, 형성구조가 분명하여 악전과 부분구성이 명확하다는 점을 들 수 있다. 또힌 음악작품은 전 시대에 비해 현저하게 넓어졌고 새로운 음악공간이 개척된 것도 획기적인 일이다. John Dunstable(1370-1435) 까지 포함한 15세기 전반기의 Burgunian School를 중세에서 르네상스까지 이르는 기간으로 보고 15세기 후반부터 16세기에 걸친 Franco-Flemish School를 전성기의 르네상스로 보았다. 이후 여러 가지 새로운 음악유형이 성장하던 시기로 팔레스트리나와 랏소를 중심으로 한 종교 다성 음악 시기를 후기 르네상스로 본다.
시대적 변화와 획기적 사건들
1. 지리학적 변화-아메리카 대륙 발견(by Columbus), 1492년
2. 나침반과 화약의 발명
3. 알프스 고봉 정복(이전에는 사탄이 살고 있어 신산으로 여겨짐)
4. 인쇄기술 발전-독일 쿠텐베르크 서적 출판
5. 세계적 화가 등장- 다빈치(1452)와 미켈란젤로(1475),
6. 해부학(다빈치), 수학, 천문학의 발전
르네상스 합창음악의 일반적 특징
1. 가사(Text)의 중요성 인식-곡의 분위기와 무드 , 템포 , 형식을 결정하는 중요 요소로 인식,Word Painting로 나타남
2. Tempo-가사와 음악의 분위기, 합창단의 인원과 능력에 따라 템포 결정
(가사의 시적 내용 이해-템포에 영향, 긴 멜리스마나 프레이징-템포 영향, No rubato, Ritardando. 그러나 섹션의 변화에 의한 템포변화 허용(리타르단도 사용)-서서히, 마드리갈-세속 음악이므로 자유로운 해석 가능-단어표현에 집중하기 때문에 가사의 분위기가 템포, 다이나믹을 졀정한다. 장식음은 곡의 속도를 늦추는데 큰 영향을 미친다. 그래서 15-16세기의 박자가 장식이 없는 현대의 음악보다 훨씬 더 느렸다고 결론 짓는다.
3. Texture- 4성부이상, 대위법적인 구조, 최대 40성부(Thomas Tallis, Spem in alium(주님밖에 희망이 없네) 모방기법 사용-푸가의 기원과 관계, 장식음 많이 사용
4. Meter- 박자 구분이 없었고, 강세는 규칙적이지 않고 오직 중요한 가사에 붙여졌다. 강세는 성부에 흐르는 박자의 패턴을 만들어서는 안되며, 단어 즉 가사의 자연스러운 강세대로 노래해야만 한다. 마디선 사용 안함(후기엔 사용), 마디선이 강세를 결정하는 의미를 갖지 않는다. 모든 강세는 가사가 결정한다. 그러나 모든 음악이 2-3 박자 개념의 Marco Rhythm 이나 좀 더 세분화된 Micro Rhythm으로 나뉜다. 1 Tactus=60-80, 성인 남자 심박동 수, 지휘는 바운스 없는 상하운동, down-up, 또는 up-down 으로 양쪽 모두 어느 쪽에 치우치지 않고 동등한 힘이 주어져야 한다. 당시 음악 연주에는 소규모였지만 지휘자가 없었는데, 이느 당시에 박자 젓는 사람의 수직적 동작만으로도 충분했음을 추측할 수 있다.. Willi Apel 48-60, Michael Praetorius 80 을 평균 속도로 사용
5. Tone Quality-비브라토의 최소화, 여성 성부를 소년들이 불렀다. 비브라토 없는 소년의 깨끗한 음색, 최근엔 좀 더 앞쪽을 선호한다. 자연스러우면서 깨끗함 강조, falsetto창법 유행
6. 합창단- No 여성, 소년들이 여성 성부 담당, Cantus, 소년 알토나 가성 쓰는 성인 알토. 12-16명 규모의 전문가수, Orlando di Lasso는 60명의 성가대와30명의 악사 사용, 악보는 파트보로 3-4명이 함께 공유, 후에 대규모 성가대 등장후에 거대한 악보집 등장
7. 악기 사용-1550년 이후 악기 사용증가. 아카펠라는 예외적 현상, 성부 중복이나 함께 연주가 보편적, 뚜렷한 구분이 없고 특별한 날 더 사용(축일), 악기사용이 즐거움, 사치스러움, 세속적 쾌락감 보다는 하나님을 찬양하는데 더 집중했다.
cf 당대 최고의 음악을 사용하던 시스티나 성당 No 악기, 베드로 성당 오르간 존재, 영국 오르간 사용, 마드리갈-한 파트 한 명씩, 바이올린 등장, 오르간과 관악기 사용
8. Ornamentation-기초적 훈련과정, 기본적인 음악인의 의무, 그 능력을 자랑스러워 함
미사보다는 모텟에서 주로 사용, But 영국에서는 사용 안함, 악보에 구체적 지시사항 없이 자유롭게 부름, 성악과 기악의 장식음 차이 없음, 부드러운 흐름과 선율의 균형, 수직적 조화 중요
9. Pitch- 절대적이지 않았다. 리더가 결정, 교회의 오르간 피치도 지역 따라 달랐다. 프레토리우스는 16세기에 사용된 피치를 합창 피치 와 챔버 피치로 나누었다. 17세기 교회에서 관례적으로 쓰인 것으로서 합창피치는 챔버 피치보다 온음이 낮다. 16-7세기 독일에서는 오르간의 피치가 챔버 피치보다 온음이 높았기 때문에 이 시기 독일의 피치는 아주 높았을 것으로 추정된다.
10. Harmony- 3도와 6도가 4도, 5도, 8도와 함께 협화음으로서 동등한 위치를 갖는다. (중세는 4, 5, 8 만 가능), 공허한 중세에서 변화하는 르네상스 음악의 중요 요인.
11. Note Value- Maxima , Longa , Breve , Semibreve ,Minima , Semi-minima , Fusa , Semi Fusa
12. Dynamic- 가사에서 유추, 극단적인 것 자제, 상승음에서 크레센도 사용, 긴음표에서 크레센도와 디크레센도 사용, Suspention에서는 크레센도 사용, 다이나믹의 변화는 템포의 변화와 함께 나타나며, 단어가 지니는 상징적 의미를 강조할 때 사용 함
주요 작곡가
1. Johannes Ockeghem(1410-1497)
벨기에 작곡가 겸 가수, 4성부 사용 진정한 의미의 Bass 최초로 사용, 후에 프랑스로 이주 주로 활동, 사후에 후배 작곡가와 시인들이 추모곡 헌정. 최초의 대위법적인 레퀴엠 작곡, 사용되던 가사가 제목이 된 경우. 모방대신 수수께끼 캐논(Puzzle canon)을 사용, 끊임없는 대위법 과 두터워진 텍스처, 강조시에는 호모포닉 사용, 주로 4성부 사용(2성부 2악기)
2. Josquin des Prez(1450-1521)
네델란드에서 출생했으나 중요시기를 교황청에서 8년간 가수로 지내는 등 이태리에서 보냈다.당대 최고의 작곡가, 음악의 아버지로 칭송받음, 오케겜의 제자, 오케겜의 샹송에 의거한 미사나 모텟 작곡, 오케겜의 찬가를 자신의 모텟에 인용, 오케겜의 죽음에 조가 작곡, 프랑스와 로마를 무대로 활약한 국제적인 작곡가 겸 선생, 성악가. 이전의 모든 작곡가들의 작곡기법 종합후에 개성적인 요소 첨가해서 작곡, 국제적 양식 탄생(Franco-Flemish양식과 이태리 전통양식 통합)16세기 합창음악은 죠스캥의 영향아래 있다.
3. Jacob Obrecht(1457-1505)
벨기에의 작곡가 겸 성직자, 국제적 경력(네델란드 , 프랑스, 이태리에서 활동, 빠른 작곡으로 유명 , 하룻밤에 미사하나 작곡, 오케겜에 비해 힘있고 생동감잇는 라인, 음악사적으로 화성을 표현력있게 사용한 최초의 작곡가, V-I 종지와 3화음 주로 사용, 모방기법 사용,
4. Heinrich Isaac(1450-1517)
브루고뉴 악파의 작곡가 , 가수, 교육자, 플로랜스지역의 작곡가 였지만 합스부르크 왕가와 연관이 있어 독일 음악 전통에 영향을 미침, 이미 존재하는 그레고리안 성가, 모텟, 샹송, 네델란드 노래 그리고 독일 리트 등 다양한 재료를 사용해 작곡.
5. Pierre de La Rue(1452-1518)
플레미쉬 작곡가, 신비적이고 종교적인 분위기, 합스브루크 왕가에서 고용,
6. Jean Mouton(1459-1522)
평생 교회음악에 헌신한 프랑스 작곡가, 죠스캥 제자,
7. Nicholas Gombert(1459-1560)
죠스캥 제자, 모방기법 사용, 두터운 텍스처, 4-5 성부로의 확장, 심지어 12성부까지 사용
8. Adrian Willaert( 1490-1562)
이태리에서 주로 활동한 플랑드르 출신의 작곡가. 베니스 악파의 창시자, 무퉁의 제자, 산마르코 성당의 악장-cori sprezzati정착시킴, 많은 작곡가들을 키워냄( Andrea Gabrielli)
베네치아 양식: 마주보는 두 성가대의 교창, cori sprezzati(divided choir) cappella piccola-capella grande. 교창식 작곡, 매우 화려하게 느껴진다.
9. Jacques Arcadelt(1505-1568)
프랑코 플레미쉬 작곡가, 베니스 악파의 대표적인 마드리갈 작곡가, 세속음악과 성가 모두 명성, 죠스캥 제자,
16세기의 일반적인 특징
1. 세속음악의 발전: 인문주의적 운동의 영향은 세속적인 가사와 음악의 대한 흥미를 유발하게 되었고, 종교음악과 함께 큰 발전의 계기가 되었다
2. 베니스 악파의 탄생
성 마르코 성당의 건축으로 인해 교창적인 효과를 가져오면서 대위법적인 것에서 짧은 프레이즈의 화성적 양식을 선호하게 되었고 화려한 악기와의 교창-새로운 양식으로 자리잡음
3. 음악의 중심지 이동: 플랑드르에서 이태리로 옮겨지며 팔레스트리나, 마렌치오 등 탄생
4. 지역별 유명 작곡가
로마: Giovanni Palestrina(1525-1594)
플랑드르: Orlando Lassus(1532-1594)
영국: William Byrd(1540-1623)
위 3인을 르네상스의 3대 작곡가라 부른다
그 외에 아우스부르크: Hans Leo Hassler(1564-1612)
스페인: Tomas Luis de Victoria(1548-1611)
5. 루터의 종교개혁(1517)으로 인해 카톨릭 교회로부터 분리되어 개신교, 루터교, 성공회 가 생겨났으며, 각 교단은 고유의 음악과 전례를 가지고 발전. 특히 종교개혁의 영향은 프로테스탄트들의 교회를 만들게 해 그들만의 새로운 음악 전통을 탄생하게 했으며, 로마 카톨릭 교회음악에도 큰 영향을 미쳤다.
트렌트 종교회의(1545-1563)
1. 가사의 선율이 중복됨으로 인하여 가사의 식별이 어려워지면 안된다.
2. 종교적 형식에 대중적이고 세속적인 곡조가 들어오면 안된다.
나중에 이 공의회의 결정은 작곡가들에게 엄청난 제약을 주었으나 팔레스트리나가 탄원과 좋은 곡을 작곡하여 연주함으로 해결할 수 있었다.
10. Giovanni pierluigi da Palestrina(1525-1594)
이태리 르네상스 대표적 작곡가, 트렌트 공의회의 이상에 맞는 카톨릭 교회 음악의 구원자.
pope Marcellus Mass 작곡-음악의 구세주가 됨. 보수적 양식, 울림이 풍부, 순수하며 비감정적이고 억제된 그러나 균형감이 있다.
작곡 기법
1. 심한 도약이 없다
2. 불협화음을 쓰지 않는다(계류음에서도 4-3 화음 사용 협화음처럼 들리게 함, 강세박자에는 결코 불협화음을 사용안 함, 베이스가 주기적으로 4도, 5도 로 진행하여ㅠ조성형태를 규정하는 종지형이 연속적으로 많이 나타난다.
3. 리듬을 복잡하게 쓰지 않는다
4. 수직적인 결합에서 성부의 진행을 따로 배치함으로 화음의 미묘한 변화와 함께 도렷한 가시낭독의 효과를 가져다 준다. * 단성적 낭독에서 화성적 조화의 가장 위대한 거장.
5. 기존의 재료를 사용 작곡- 죠스캥의 곡을 정선율에 놓고 작곡, 104개의 미사중 53개의 미사에서 기존의 재료 사용. (Parody Mass)
11. Tomas Luis de Victoria(1548-1611)
스페인의 팔레스트리나, 교회음악의 위대한 작곡가, 오르가니스트, 사제
이태리 유학후 스페인으로 돌아 옴. 팔레스트리나의 제자 설, 불협화음 사용, 반음계적 화음, 도약을 팔레스트리나보다 더 많이 사용함- 더 드라마틱하고 액센트잇는 가사에 반복되는 음표를 사용하여 리듬에 생동감을 더 준다. 평생 라틴어 가사로 교회음악만 작곡. Missa pro victoria는 2대의 오르간과 함께 연주되는 곡으로 베네치아 양식과 바로크 양식의 모델이 됨.
12. Orlando de Lassus(Orlando di Lasso)(1532-1594)
국제적인 양식을 모두 섭렵한 작곡가, 벨기에 출생, 모텟의 거장, 완전한 르네상스 양식의 작곡가. 벨기에-만투아-나폴리-로마-뮌헨에서 활동 , 모텟에서 플랑드르, 로마, 베네치아 양식등을 자유롭게 구사. 30여년의 뮌헨시절동안 음악의 중심지로 만듬. 16명의 소년, 6명의 카스트라토,13명의 카운터테너 포함 60여명의 합창단 보유. 1000여개의 모텟 작곡, 당김음, 붓점, 액센트, 갑작스런 박자의 변화등으로 가사를 대담하게 표현, 다양한 감정을 표현, 인간적이고,표현적이며, 풍부한 색채를 가지고 강한 하모니를 보여줬다.
베네치아 양식의 특징들
1. 복합창 양식과 마주보는 두 개의 성가대(cori spezzati), 교회 앞부분이 십자가 형태
2. Antiphon과 같은 효과
3. 짧은 프레이즈
4. 화려한 음악
5. Homorhythmic
6 성부가 많아 화성적 양식 선호
7. Adrian Willaert91490-1562)에 의해 확립-Andrea Gabrielli-Giovanni Gabrielli로 계승
1
3. Giovanni Gabrielli(1554-1612)
베니스 양식의 주요 작곡가. 16세기 복합창 모텟트의 주요 작곡가, 안드레아 가브리엘리 조카, 뮌헨의 랏소와 교류, 쉬츠를 비롯한 덴마크와 독일에서 온 많은 유학생들을 가르킴.
많은 기악곡 작곡- 성부 보조에서 벗어나 독립적 사용(Synfonia), 화려한 관악기 사용, 대조성 즐겨사용, 그의 음악들로 플랑드르 음악의 종말을 의미하고 음악의 무대가 프랑스에서 이태리로 옮겨가는 것을 의미한다. 초기-소규모 모텟, 후기-악기의 역할 증대, 간주 도입-콘체르타토 양식 등장.
영국의 르네상스 음악(헨리 8세,성-에드워드 6세,성-메리 1세,카 -엘리자베스 1세,성, 황금기)
1. John Dunstable(1390-1453)
2. Thomas Tallis(1505-1585) 16세기 영국 작곡가, 왕실 젠틀맨, 종교가 달랐던 4명의 군주 섬김, 헨리 8세-왕실예배당 미사사용금지,-에드워드 6세-영어로만 작곡(신앙의 통일성을 위해), 엘리자베스 1세 -라틴어 허용, 대규모 미사 작곡 허용. 가사가 갖는 아름다움 충실히 표현.
3. Christopher Tye(1499-1572) 앤섬 작곡가 , 영국교회만의 새로운 음악과 형식에 공헌.
4. William Byrd(1540-1623) 르네상스시대의 가장 위대한 작곡가, 카톨릭 신자지만 평생 성공회 예배음악 작곡. 탈리스에게 배움, 영국의 교회음악 출판권 받아 탈리스와 독점 그러나 앤섬이 포함되지 않아 판매 저조. 후에 탈리스 사후에 홀로 영어가사 교회음악 출판권과 세속음악 출판권으로 매우 성공을 거둠. 제자로 Thomas Morley를 둠. Verse anthem 과 full anthem, 서정적인 선율, 화성적 화려함, 힘 , 다양한 기악적 음색의 사용, 가사배치의 세련됨이 특징. 중요 단어 반복 사용, 감정적인 함축성있는 가사에 불협화음 사용, Word Painting 에 따라 상승과 하강을 통해 가사묘사. verse anthem처음으로 도입.
5. Thomas Tomkins(1572-1656)
버드의 제자, 93개 앤섬 작곡(이 중 절반은 풀 앤섬)
16세기 영국 성공회 음악
1. 예배언어로 영어 사용-Anthem이라는 새로운 성가 형식 발전
2. 1547년 그레고리안 성가 영어 번역-1559년 앤섬 공식적 예배사용 인가. 영국만의 구별된 음악형식 보유.
3. 화성섹션-음절, 대위법적 섹션- 멜리스마 사용,
4. 종교개혁이후 영국교회는 두가지 방법 사용, 라틴어 모텟 명맥 유지-예배시 사용불가
5. 대성당음악과 회중음악 분리-엘리자베스 1세, 대성당음악- 기악반주, verse anthem
회중찬송-제네바시편 번역, Thomas Sternhold(1500-1549), John Hopkins(d.1570)이 유명.
6. 성가대석 오른쪽-Descani 사제쪽, 왼쪽-Cantoris 성가대원쪽. 오르간 사용, verse anthem 시에 tutti부분에서 오르간 사용, Sackbut(트롬본 전신)이나 Cornet(트럼펫 전신) 사용.
6. Orlando Gibbons(1583-1625)
17세기 영국음악의 선구자, 2개의 성공회 에배음악 사이클, 40개의 앤섬, 13개의 영국 마드리갈, 2개의 consort음악 작곡, 오앙실 에배당 젠틀맨. 모텟과 미사 작곡 안함. 성공회음악만 작곡.verse anthem작곡시 기악반주 잇는 독창적인 부붐과 레시타티브와 같은 선율 이 특징.
Byrd의 영향으로 폴리포니 양식 사용, 모방기법 사용. 기본 박 탁투스의 대칭구조 사용.
영어가사로 한 마드리갈 작곡.
16세기 후반-17세기 초 독일 , 네델란드, 이탈리아의 대표적 작곡가들
Hans Leo Hassler(1564-1612)
Lasso와 함께 르네상스시대의 독일의 가장 중요한 작곡가, 이탈리아의 부드러움과 독일의 엄숙함을 효과적으로 결합한 음악 작곡. 다양한 언어의 음악 작곡, 안드레아 가브리엘리와 함께 베니스로 유학 감. 독일 개신교도 아우스부르크의 카톨릭교회의 음악감독으로 미사와 모텟 작곡, 랏소의 영향을 받음. 후기 작품에서 가브리엘리의 복합창 양식 적용, 베니스양식 독일에 전파.
Jan Pieterzoon Sweelinck(1562-1621)
네델란드 작곡가, 평생 네델란드를 떠나지 않았다. 네델란드 전성기의 마지막 작곡가.
Gregorio Allegri(1582-1652)
이탈리아 작곡가 , 팔레스트리나의 후계자 이자 stile antico수호자로 평가 받음. 팔레스트리나의 제자인 Nanino에게 배움. Miserere는 시편 51편과 다윗의 참회시로 가사, 1870년까지 교황청 합창단만 테네브레 성주간ㅇ의 마지막에만 부름.
16세기 프로테스탄트 음악
1. Chorale 라틴어에서 점차 독일어 사용(회중이 참여하게), 세속곡 또는 종교곡의 선율에 새로운 독일가사 붙임. 대개 12-16 마디로 구성, 몇 개의 절로 구성도니 4행 가사, 처음 코랄은 회중에 의해 멜로디만 불림, 멜로디가 최고상부에 위치, Bar form: AAB형식, 오르간이나 다른 악기로 반주 됨.
2. Psalm Setting
제네바, 스위스, 프랑스 북부 중심으로 Jean Calvin의 개혁운동과 함께 카톨릭 예배의식과 노래거부.-합창음악사적으로는 르네상스의 폴리포니와 거꾸로 갔다. Louis Bourgeois(1510-61)
Old Hundreth는 현재 개신교 찬송가에 수록(만복의 하나님)
16세기 세속음악- 마드리갈
15세기 중엽부터 이탈리아 북부지방 궁정에서 Frottola(기악반주에 독창 또는 4성부 무반주) 가 대중적 인기, 단순 구조, 반복 리듬. Bartolomeo Tromboncino(1470-1535), Marchetto Cara(1465-1525)-1530년경부터 호색적으로 바뀜, 그래서 등장하는 것이 한 개의 절로 이루어진 가사와 4-5성부의 곡이 탄생- 이것이 마드리갈.
초기 마드리갈 작곡가
Phillippe de Verdelot 플랑드르 작곡가, Costanzo Festa이탈리아 작곡가, Jacob Arcadelt플랑드르 작곡가, 로마에서 활동, Adrian Willaert 베니스 악파의 창시자, Cipriano de Rore 빌라르트 계승
중기 마드리갈 작곡가
대위법적인 양식과 화성적인 양식을 조화시킴, 다양한 리듬, 반음게적 장식이 특징.
Philippe de Monte 벨기에 작곡가, 비엔나에서 활동, Orlando di Lasso뮌헨에서 활동,
Giovanni Gabrielli 베니스에서 활동, Giovanni Gastoldi 마드리갈보다 가벼운 balletti의 작곡가로 유명, 댄스 리듬, 화성적 반복, 두 개의 짧은 부분으로 이뤄짐, fa-la-la의 후렴을 갖는 것이 특징
후기 마드리갈 작곡가
Adriano Banchieri 이탈리아 작곡가, Luca Marenzio화성적 레치타티보, Word painting 사용. Carlo gesualdo마드리갈 전성기의 대표 작곡가. Claudio Monteverdi 8개의 마드리갈작품 중 4개는 르네상스시대네 4개는 바로크시대의 작품임)
16세기 세속음악의 특징
명료한 구조, 가벼운 액센트를 가진 리듬, 유연하고 정확성 요구하는 연주가 특징.
프랑스 샹송, 이탈리아 마드리갈-영국의 마드리갈과 독일의 마드리갈이 이탈리아의 마드리갈 형식을 받아 들였다.
그 당시 마드리갈은 세속음악이며 챔버 음악이다. 한 성부에 한 사람이 불렀으며 소규모로, 그 당시 궁정의 실내나 또는 가정에서 불렀다. 현대 연주시 소규모 합창단이나 중창으로 불러야 한다
Luca Marenzio(1553-1599)
16세기 이탈리아 마드리갈의 가장 중요한 작곡가, 17권의 마드리갈 곡집. word painting잘 사용. 후기 작품은 좀 더 화성적. 5성부 마드리갈 많이 작곡, 가브리엘리의 화성적 레치타티보 적용, 숙련된 모방 기법 사용, 불협화음과 반음계 자주 사용, 대위법과 화성적 작법의 혼합
Carlo Gesualdo(1566-1613)
이탈리아의 귀족이자 작곡가. 베노사(Venosa)의 왕자, 살인자.(아내의 정부인 안드리아 공작 살해, 지위로 인하여 법적인 처벌은 없었으나 한동안 지위에서 물러나 마드리갈의 작곡과 연주에 집중. 당시 마드리갈의 중심지였던 페라라에 자주 방문. 모방대위에서 보수적이나 화성어법에서는 예상치 못한 화음진행과 해결, 갑작스러운 화성의 변화- 가히 진보적이다. O vos omnes는 반복을 통해 ABCD의 구조를 가진다. 70개의 모텟과 120여개의 마드리갈 작곡.
16세기 세속 음악- 샹송
중세 플랑드르 악파의 뱅슈아로부터 시작, 대위법과 포부르동 양식이 사용된 3부, -15세기 말부터 대위법적인 샹송으로 발전, 6성부, 대중적인 가락을 모방대위법적으로 사용하는 것이 특징. 유머스러운 가사 또는 새소리 흉내 내는 것 등이 주제로 사용. 죠스캥, 랏소 등이 유명. 랏소는 150여편의 샹송 작곡. 죠스캥 다음의 작곡가들은 화성적인 4성부, 흥겨운 리듬의 3박자 샹송들을 작곡. 파리 샹송으로 불리우기도 함. Pierre Attaingnant 는 2000여곡의 샹송 간행한 출판업자로 샹송의 대중화에 앞장 섬. Claudin de Sermisy 가 대표적 작곡가.
샹송의 일반적인 특징
1. 대위법적인 섹션과 화성법적인 섹션이 대비가 된다.
2. 불어 사용, 유머와 위트가 있는 가사
3. 2박 계통의 활발한 리듬
4. 반복되는 부분이 많다.
5. 모텟과 비슷하나 보다 단순한 형식
Clement Janequin(1485-1560)
죠스캥의 제자, 프로그램 샹송(모방적이며 fa-la-la처럼 무의미한 음절 반복함으로 리듬에 생명력을 갖게 한다). 300개 이상 프로그램 샹송 작곡.
16세기 세속음악-영국 마드리갈
영국에서 번역 출판된 마렌찌오와 제수알도 마드리갈의 영향으로 영국에서도 작곡되기 시작.
이탈리아 마드리갈-당대나 이전의 유명시인들의 시에서 가사 따옴
영국 마드리갈- 대중적이고 비주류적인 가사 사용
영국 마드리갈의 특징: 구조적 간결함, 간략하고 명확한 화음, 댄스리듬 등으로 대중적 인기 누림. 17세기 들어서면서 마드리갈 쇠퇴. 1589년부터 비올과 류트반주의 독창곡이 인기.
1600년을 전후해 John Dowland(1562-1626) 와 Thomas Campion(1567-1620)의 류트곡이 인기. Dowland는 서정적이고 섬세한 가사와 그에 맞는 류트반주로 유명
Thomas Morley(1557-1602) 영국 마드리갈의 첫 작곡가. 영향력 있는 출판업자, 편집자, 버드 친구이자 동년배, 왕실예배당에서 버드와 함께 일함, 버드 사후에 단독 출판 독점권 받음 , 버드가 교회음악 출판에 힘 기울였다면 몰리는 세속음악 출판에 공헌, 작곡가 자신은 칸초네라고 불렀으니 발렛이라고 분류된다. 영국 마드리갈의 초석이 됨. 주로 3성 작곡, 댄스와 같은 활기 찬 리듬, fa-la-la 후렴구, 짧은 프레이즈로 전형적인 마드리갈과 비슷한 모양. 최상성부에 주선율, 호모포닉, 규칙적 단순구조. Sing we and chant it, Now is the Month of Maying
William Byrd(1543-1623) text- painting 많이 사용, 박자변화도 많음, This sweet and merry month of May
John Bennet(1575-1599) Morley의 영향, Weep, O mine eyes
Thomas Weelkes(1576-1623) 몰리보다 광범위한 표현성과 극적인 요소, 그의 마드리갈은 가사를 듣게 해준다. 반음계적 화성진행, 복합적인 리듬사용, 호모포니 주로 사용. 극적 음악, Hark, all ye Lovely saints, 이 곡의 가사 Diana는 엘리자베스 여왕의 별명이다. 종교적인 시에 마드리갈 양식을 적용한 When David Heard도 유명하다.
John Wilby(1574-1638) 윌크스적인 반음계기법 사용, Oft have I vowed
John Farmer(1570-1591)Fair Phyllis I saw
Orlando Gibbons(1583-1626) 폴리포니 기법이 뛰어남, The silver swan
Burgundian School(부르고뉴 악파)-Dufay, Binchois 음악적 특징
3성부 주로 작곡, 음역이 매우 좁다. 악구의 종지 명확, 장&단조를 주로 사용, Chodal Style에 기악반주 사용
Flemish School(플랑드르 악파) 주로 4성부 작곡, 음역이 넓고, 주로 아카펠라를 강조, 선법적인 화성에 악구의 프레이즈가 겹치는 부분이 많고, 대위법적인 Polyphony style의 음악을 강조