바로크(Baroque) 합창음악의 이해와 실습
1. 바로크 시대란
일반적으로 1600년부터 1750년이라고 말하나 꼭 그리 규정할 수는 없다 왜냐하면 1600년 이전부터 조성의 느낌이 시작되었고, 또 독립적인 기악파트도 등장했으며, 1600년 이후에도 르네상스의 기법이 사용되었다. 그러므로 초기 바로크는 르네상스와 바로크의 Overlap되는 시기라고 볼 수 있다. 먼저 용어는 포르투칼 말로 barroco, 스페인말로는 barrucca로 , 삐뚤어진 진주, 불규칙적인 모형이란 뜻에서 유래가 되었으며, 이 말은 비정상적인 , 기교만 과장된, 감각이 나쁜, 괴상한 등의 헐뜯는 뜻으로 오래 사용되었다. 아마도 유별나게 화려한 예술을 르네상스시대와 비교할 때 처음에 받아들이는 느낌이었으리라 생각된다. 가사로서 감정을 전달하는 르네상스시대에 비하여 감정의 풍부한 변화를 중시하며 다채로운 악기를 사용한 바로크시대에 대한 거리감을 표현한 것 같다.
2. 바로크 음악의 국가별 특징
바로크음악을 지리적 , 문화적 배경으로 본다면 이탈리아의 이념에 의해 지배되었다고 볼 수 있다. 이탈리아의 음악적 지배력이 절대적인 것은 아니었지만 민족적 어법을 두드러지게 발전, 유지시켰던 나라들도 이탈리아의 영향을 벗어 날 수는 없었다(예를 들면 , 프랑스와 영국 등) 프랑스의 민족적 양식을 확립한 대표적 작곡가인 륄리와 독일 음악의 선각자 슈츠를 통해서 알 수 있다. 슈츠는 베네치아로 유학하여 죠반니 가브리엘리에게 배우고 독일로 돌아와 바흐나 헨델, 북스테휴드 등에게 영향을 미친다. 영국 역시 헨델에 의해 이탈리아 음악의 영향을 받게 된다. 바로크 말기에 이르면 유럽의 음악은 실제적으로 이탈리아를 그 뿌리로 하는 국제적 언어가 되었다.
사회적인 면에서는 이미 사회적 , 경제적으로 성장한 부르조아 계급들이 절대주의적인 왕권의 보호를 받으려 했고, 음악 그 자체도 궁정음악의 성격을 띤 면이 적지 않았다. 이렇게 볼 때 바로크 시기는 인간의 합리적 자유로운 사고와 정치적 권위가 적당히 공존하였던 시기였다.
바로크시대의 시대적 특징들
1.30년 전쟁(가톨릭와 개신교의 갈등), 1618-1648년 동안의 개신교(네델란드, 스웨덴, 덴마크) 와 가톨릭(독일, 프랑스, 스페인)이 독일과 이탈리아 플랑드르 지역에서 전쟁을 치루며, 독일 인구의 절반이 줄 정도로 극심한 전쟁을 하였다
2.100년 이상 유럽을 휩쓴 흑사병 및 전염병의 유행(유럽 인구의 1/3 이 죽음) -종교에 대한 갈망을 더욱 북돋게 하였으며 또한 마법에 대한 믿음을 유행하게 함
3. 음악가들이 음악을 분석하고 설명하기 시작했고, 수사학의 이론을 도입하며, 음형이론 등이 발달하였다. 이것을 기초로 질서와 합리성을 강조한 합리적 관념론 배경
4. 이태리 바로크의 유행
초기 오페라의 창시자 플로렌스의 Peri 와 Caccini, 베네치아의 몬테베르디 와 비발디, 로마의 Carissimi, 나폴리의 스카를랏티와 페르골레지, 그리고 이탈리아의 영향을 받은 독일 작센지방의 슛츠, 북독일 뤼벡의 북스테후데, 프랑스 파리의 륄리, 영국의 퍼셀, 후기 바로크의 두 거장인 바흐와 헨델에 이르기까지 이탈리아 바로크는 그 당시 유럽에 직, 간접적으로 영향을 주었다
5.절대적 왕정에서 성장
6.변화와 모험, 이성과 신앙관심(인본주의발달에 따라)
7.교회음악과 세속음악의 동등함
8. 시민음악의 등장(오페라)
9. 초기 바로크는 전통(르네상스양식)과 혁신(바로크 양식)이 공존하였다
시대별 바로크 음악의 특징
초기(1600-1675)
1.전통적인 것과 혁신적인 것의 공존
원래 전통적인 르네상스 양식은 북부의 로마를 중심으로 한 폴리포니로 대표되는 것인데, 베네치아를 중심으로 활동하는 작곡가들이 새로운 작법을 시도하다보니 르네상스의 가사전달이 많은 성부로 인해 잘 전달이 안 되는 상황이었다. 르네상스가 음악이 가사를 지배하는 Prima Prattica 라면 바로크양식은 가사가 음악을 지배하는 Seconda Prattica라고 몬테베르디는 자신이 쓴 총 9권의 마드리갈 모음집 중 5권에서 규정하였다. 또한 1594년 팔레스트리나가 죽은 이후에 르네상스의 마드리갈은 플랑드르의 지식층으로부터 진지함이 없고 가볍고 경박한 것으로 여겨지며, 진지한 것을 찾기 위한 움직임이 일어나기 시작했고 이는 새로운 음악사조가 탄생한 배경이 된다. 이러한 배경에는 다음과 같은 당시의 분위기도 영향을 주었다
1. 폴리포니에 대한 견제
2. 이탈리아 인문주의 운동과 이에 영향을 받은 세속작품들(Monody의 출현)
3. 베네치아 작곡가들의 실험(콘체르타토-더욱 규모가 커짐, 기악적 요소가 두드러지는 Antiphonal 즉 답창식 이중합창, St. Marco성당의 독득한 구조에 의한 양식 (몬테베르디, 가브리엘리 일가, 슟츠 등)
2. 초기 바로크의 음악적 특징
1. 멜로디와 베이스로 구성된 구조적 완성(Basso-Continuo사용)
2. 멜로디와 베이스의 대립의 시기(콘체르타토 양식의 발전)
3. 댄스 리듬과 마디의 사용
4. 오페라의 탄생(자유로운 리듬으로 가사를 전달하는 레치타티브 탄생, 몬테베르디는 레치타티브에 서정적 선율을 가진 짧은 부분을 삽입-후에 벨칸토의 멜로디 양식으로 발전해 아리아가 되며, 레치타티브와 나란히 존재함)
5. 조성적 체계가 생겨남
대위법적 작법에서 화성적 작법으로 전환
일시적 전조가 언제나 가능
반음계도 조성안에서 인식 됨
장,단조는 프랑스의 작곡가 Rameau에 의해 수립됨
후기 바로크 음악의 특징(1675-1750)
1. 오페라 등의 세속음악이 계속 발전
2. 기악음악의 더욱 정교하게 발전
3. 종교음악과 세속음악, 또는 개신교 음악과 가톨릭음악, 예배의식을 위한 음악과 콘서트를 위한 음악의 형태를 구분 짓기 어려워짐
4. 콘티누오의 발전-호모리드믹 형태
5. 교창의 발달(합창 vs 합창, 합창 vs독창) 영국 페셀의 풀 앤섬과 verse 앤섬
6. 다른 형식들(Passion, Oratorio 등)의 출현에 따라 대규모적 양식으 로 발전
7. 합창곡에 Sinfonia와 같은 기악만을 위한 악장이 삽입 됨
8. Gloria, Credo, Te Deum 등을 따로 띄어내 여러 개의 악장으로 나눔
바로크시대 주요 국가의 특징
1. 이태리: 로마 카톨릭 교회 음악 중심, 르네상스 기법 계승 & 사용
(특징: 화려한 기교, 웅장함, 대담함, 균형과 형식을 강조하여 무반주
합창, 모방적 다성 음악, 미사와 모테트 등 보수적이고 엄격한 양식으 로 표현) A. Scarlatt(나폴리), A. Vivald(베네치아)i, G. B. Pergolesi (나폴리)등
2. 독일 : 루터란 교회중심의 무반주 다성 음악(코랄) H. Schutz,(작센)
D. Buxtehude(뤼벡), J. S. Bach(뮐하우젠, 바이마르, 괴텐, 라이프찌히), Fux(비엔나), Telemann(프랑크푸르트, 함부르크, C.P.E Bach의 대부, J.S. Bach 와 친구, 함부르크에서 매주 2곡의 칸타타와 1년에 한곡의 수난곡을 작곡해야만 했음. 다작의 이유.
3. 프랑스 : 궁중음악 중심으로 발전하여 후에 오페라, 기악음악으로 까지 영향을 미침. J. B. Lully, M, A. Charpentier등
4. 영국 : 궁중음악 중심의 르네상스식 영국 음악 고수( H. Purcell)
3. 바로크 합창의 스타일별 분류
1. 단악장: 모테트(기악 반주 사용)
앤덤(Verse Anthem & Full Anthem)
코랄(4성부, 유절양식)
2. 여러 악장: 미사, 칸타타, 오라토리오, 수난곡
미사: 기악 반주 첨부 , 르네상스보다 더 극적요소 많음
칸타타: 단선음악- 통주저음 반주부 포함한 독창, 2중창, 합창 등으로 발전, 종교적 칸타타는 각 악장이 다양하며, 합창과 2-3개의 솔로 파트로 구성.
cf. 종교적 칸타타& 세속적 칸타타
수난곡: 예수의 수난을 소재로 오라토리오 형식을 도입 작곡
(J. S. Bach의 마태, 마가, 요한 수난곡 등)
오라토리오: 성경적 내용을 소재로 합창과 독창,2중창, 기악반주로 레시타티 보와 아리아 사용, 합창이 극을 전개하는데 중요한 역할을 한다. 합창이 이야기 전개과정에 대해 노래하거나 또는 민중을 대표하는 역할로서 사용된다. 또한 이야기를 묘사하는 가사 즉 나레이터의 역할을 하는 Testo를 포함한 독창자들이 등장인물의 역할을 한다. (헨델의 오라토리오)
오라토리오의 탄생
16세기 로마의 비공식적 기도예식에서 출발하여 이탈리아 전역에서 유행
사제였던 Filippo Neri(1515-1595)가 평신도 훈련을 위해 성당 지붕의 기도실, 오라토리(라틴어로 Oratio는 기도를 뜻함)에서 영성훈련을 위한 기도모임에서 시작했는데 이 모임에서 노래가 사람들을 영성으로 이끄는 역할과 함께 오락을 통해 신도들을 감화시키는 역할을 했고, 네리의 가까운 지인들과 제자들로 작게 시작한 모임이 큰 인기를 끌게 되었다. 이러한 전통은 로마 찬송과 이탈리아어로 된 다른 작품을 노래하는 것으로 관습화되었으며, 17세기에 들어 대화극의 단선율 작품들과 레치타티브와 합창 등을 포함하게 되며 오라토리오라 불리게 된 것이다.
cf. 칸타타와 오라토리오의 차이점: 오라토리오가 칸타타보다 곡의 규모가 크고 길며, 휠씬 웅장하다. 합창이 많다.
바로크 합창음악의 성격과 실습
1. 바로크 음악의 특징들
1. Basso Continuo 사용
2. 악기의 사용(Castrato, Trumpet, Oboe, Violin등)
3. 작은 것들에 관심을 가진다. 작은 것들이 모여 큰 것을 이룬다( small motives, gestures make large part)
4. line by line (legato approach)
5. Messa di Voce 사용
6. 불협화음(Dissonance)의 사용 (임시표#-십자가) tension-release
7. Text Painting(word painting) 사용
8. Color, Vibrato, Weight (brighter, lighter and less vibrato sound)
9. 바로크음악은 말하는 성격과 매우 밀접한 관계가 있다.
10. 바로크 음악은 Sound Articulation 과 밀접한 관련이 있다.
11. 바로크 음악은 춤과 매우 밀접한 관련이 있다(Gigue, Minuet, siciliano, 등)
참고문헌
Fredrick, Neuman, Performance Practices of the Seventeenth and Eighteenth Centuries. New York: Schimer,1993.
바로크 음악의 특징들
1. 수직적 구조의 일반적 사용, 후기 대위법 작곡기법 사용,(cf 르네상스: 대위법 작법양식과 바로크 화성적 작법양식), 수직적인 화음이 인식되면서 Basso continuo 사용하며 숫자저음에 즉흥적으로 화음을 배치하여 사용 함, 장식음도 넣어 진행을 아름답게 만듬 , 외성이 보다 중요하게 사용 됨
2. 활기찬 다이나믹 사용(첨가식 Cresc, Eccho효과)
f는 크게(loud) p는 부드럽게(soft)로 이해 됨, 그러나 악상기호들은(dynamic marks) 크레센도 나 디크레센도가 아닌 소리나 악기를 첨가하거나 줄이는 식의 계단식(terraced dynamics)으로 표현 되었고, 이것은 큰 것과 작은 것의 대조적인 음량으로 들렸다. 이러한 다이나믹은 에코효과를 가졌고, p와 f의 한도내에서만 거의 사용되었다(cf. 낭만주의의 악상과 대조)
3. Concerto 양식(대조성 강조), Concerto(solo group)& ripierno(tutti group) 예를 들면 senza ripieni는 솔로그룹만 연주하라는 뜻이며, con ripieno는 합주그룹(tutti)이 연주하며, coro concertato는 성악 솔로이스트를 지시하는 말로 쓰였다
4. 조성의 시작(선법, 평균율, 반음계, Word -painting)
중세로부터 이어져온 선법(mode)의 전통은 평균율의 확립과 함께 장조와 단조로 표현되는 조성음악체계로 발전하였고, 통주저음이라 불리우는 Basso- Continuo도 자주 사용되었다. 바로크시대 조성의 기초와 근대 화성의 기초는 프랑스 작곡가 Rameau에 의해 확립되었다. 또한 이러한 발전과 함께 음악의 표현을 위해 Word painting 과 화성체게의 발전이나 음악이론적인 목적을 위해 반음계 등이 자주 사용되었다.
5. 새로운 음악의 탄생(앤섬, 코랄 , 오페라 , 오라토리오, 칸타타, ode(헨델의왕궁의 불꽃놀이 같은 실외음악행사용 음악) 과 콘티누오로 반주하는 솔로곡의 monody가 폴리포니에 대한 반발로 등장한다.
6. 새로운 악기의 탄생(바이올린, 하프시코드, 포르테피아노 등)으로 기악 음악 발전하였고, 이러한 악기들은 고전시대나 낭만시대에는 자주 사용되지 않았으나 20세기 고음악의 부활과 함께 다시 복원되고 연주되고 있다. 대표적 연주자로서는 아래와 같다.
1. William Christie( Les Arts Florissants)
2. Paul McCreesh ( Gabrieli Consort & Players)
3. Christopher Hodwood ( The Academy of Ancient Music)
4. John Elliot Gardner ( Monteverdi Choir)
또한 17세기 중반이후로는 비올족 가족악기들이 자주 사용되었다
Viola d'amore 현대의 비올라 크기정도의 악기이나 바이올린의 특성을 가졌으며 현대의 바이올린이나 비올라같이 힘있는 소리를 내지는 못하지만 좀 더 달콤하고 부드러운 , 기품있는 소리를 가졌다(활의 hair와 줄의 영향)
Viola da gamba 는 다리사이에 끼워서 사용하는 악기로 첼로의 전신이라고 할 수 있다.
1720년부터 40년간 자주 쓰였던 Oboe da caccia는 완만한 곡선의 몸체에 가죽으로 덮힌 테너 오보에 였다.
중세에 탄생한 리코더 또한 르네상스시대를 거쳐 바로크시대에도 일반적으로 사용되었으며, 중요한 역할을 하였다. 현대의 플륫과 같은 역할
7. 기악음악의 성장(성악에 영향을 받아 발전한 기악음악이 바로크시대에는 성악음악보다 우위에 있었고 후에는 성악 독창곡과 합창음악에도 영향을 미쳤다. 합창과 독창선율도 기악적인 멜리스마로 장식되었으며 선율의 화려함의 더 하였다, Sinfornia처럼 기악만 따로 사용한 부분도 나타났다)
8. 즉흥연주와 장식음(Basso continuo, 장식음 등-전적으로 연주자 몫)
바로크시대의 곡들은 Basso-Continuo연주자들이 숫자만 기록되어있는 음표에 즉흥적으로 화성을 채우고 선율을 장식하며 연주해야 하는 경향이 많았다. 성악가나 기악 연주자 또한 악보에 없는 장식음을 넣어 즉흥적으로 연주하는 것이 흔한 일이었고, 연주자의 최고의 테크닉으로 알려졌었다. 심지어 바로크 아리아의 주요 형식인 A-B-A'의 반복부분을 듣기위해 공연을 보러오는 사람들도 많았다고 한다.
9. 강한 리듬(춤 리듬)
악보에서 마디선과 일정한 박자가 생겨나자 악센트들이 규칙적으로 나타나기 시작하면서 바로크 음악은 강한 리듬을 요구하였다. 이는 춤 리듬으로 매우 강한 영향을 미친다. Rubato는 거의 나타나지 않고 제한적으로 사용하였다. rit는 종지에서만 사용되었다. 웅장함과 힘이 느껴지는 바로크 음악의 기초는 강한 리듬에서 비롯된다.
Free rhythm- Caccini의 Amarilli mia bella 의 끝부분
Dance rhythm- Strict 리듬으로 거의 대부분의 바로크 음악에서 찾아 볼 수 있다
10. 템포의 변화(맥박, 추)
바로크시대의 템포는 사람의 맥박을 기초로 했으며, 당시 과학기술의 발전으로 도입된 추 시스템(system of pendulum)에 기초한 템포가 일반적인 템포였다.
이에 따라 4/4에서 quarter-note 60-80 가 일반적인 템포였으며, 이는4/2 에서는 half-note 60-80정도로 연주되며, 3/8, 6/8, 12/8에서는 eight-note120-160, dotted quarter-note에서는 40-54fh 나타낼 수 있다.
바로크 시대의 템포는 흔들리지 않는 일률적인 박자와 리듬에 기초한다. 일반적으로 거침없고 부드러우며 매우 흘러간다. 그러나 너무 느리거나 빠른 템포는 피하는 것이 좋다.
종지나 각 섹숀의 끝에서는 slow down 하는 것이 보통이다.
그러나 곡의 중간의 accel. 나 rit.는 바로크시대의 것이 아님을 주의하라.
Allegro(명랑하게, 활기차게), Largo(넓게, broad)는 음악의 템포라기 보다는 음악의 성격을 나타내는 것이다. 혹 어떤 곡의 앞부분의 Allegro에서 마지막 끝에 Largo 나 Adagio로 끝나면 앞부분의 2배로 느리게 연주하는 것이 보통이다.(예 헨델 메시아 4번 ‘주의 영광’)
11. 현재 연주 시 주의 사항
원전연주나 아니냐를 먼저 고민 한다. 이는 오케스트라와 합창단의 규모에 따라 선택한다.
대규모 합창단과 오케스트라, 현대적 구성한 연주자들-카라얀, 번스타인, 마주르
소규모 합창단과 오케스트라 로 연주자들-레온하르트. 윌리암 크리스티, 크리스토퍼 혹우드, 가드너 등
중간지점-헬무트 릴링 등
12. 레시타티브의 탄생
모노디의 탄생은 가사의 자연스러운 리듬을 따르는 음악적인 낭송이었고, Basso-continuo로 반주되는데, 모노디가 오페라로 발전되게 된다. 몬테베르디에 의해 발전된 오페라는 아리아도 필요했지만 긴 이야기를 대사로 전달하는 레치타티브도 중요한 역할을 차지하였다.
cf 레시타티브 세코(Secco)-콘티누오반주와 레시타티브 어콤파냐토(Accompagnato)-오케스트라 반주-로 구분되어 진다
13. 악보에 없는 것
악상기호가 성악파트와 기악파트에 동시에 나타나지 않는 경우가 많다
어느 곳이든 그 악상이 있으면 모든 파트에 해당된다.
14. 바로크 연주 관습( 소규모 합창)
J.S. Bach는 보통 12-24명, 헨델의 메시아도 26명 정도 연주하였다. 여성이 교회에서 연주하지 않았기 때문에 소프라노 성부는 소년이 담당하였다. 이러한 관습의 일례로 마태수난곡은 17명으로 초연되었다고 한다. 이렇듯 소년을 포함한 소규모의 공연이 가능했던 이유는 아래와 같다.
1. 교회의 좋은 음향
2. 현대 악기보다 휠씬 부드러운 소리의 악기들과의 조화
3. 주로 16-17세의 엄선되고 훈련된 어린이들이 성가대를 담당
4. 당시의 유행하던 음악적 스타일에 대한 습득력과 자신감
15.음정( 현대의 음정이 440-442라면, 바로크시대는 교회마다 도시마다 다 달랐고, 일반적으로 A-422-425 로 조율해서 연주하였다. 하지만 연주자 , 연주규모, 연주홀따라 다 달랐다)
16. 이탈리안 바로크의 카스트라토
최초의 카스트라토 기록은 16세기 중반 이탈리아에서 발견된다. 소년들이 사춘기 전에 거세하는 방법으로 양성되는데, 대부분 소년의 부모가 경제적인 어려움 때문에 카스트라토로 만드는 경우가 많았으나 후에는 부와 명예를 한번에 가지기 위해 만들어졌다. 17-18세기 에 걸쳐 카스트라토는 오페라와 교회음악 모두에서 활약하였는데, 전성기때는 전 유럽에 약4천여명의 카스트라토가 활동했다고 한다. 1830년경 오페라에서 1920년경 바티칸 교회음악에서 사라지기까지 그들의 화려하고 기술적인 창법은 오페라와 오라토리오에 큰 영향을 미쳤다
17. Motor 리듬(멜리스마)
바로크세대 음악의 중요한 양식으로 규칙적인 리듬의 반복이 계속되는 것을 가르킨다. 멜리스마와 같은 기계적인 움직임으로 나타난다.
18. Doctorine of Affections(One Affecting) 하나의 작품에서 하나의 감정만 표현한다는 뜻으로 단일감정의 구현을 지향했으며, 이것을 형식보다 더 중시하였고. 이러한 특징은 교회음악과 세속음악에 구별 없이 사용되었다. 이 말은 한 악장은 하나의 템포만 가진다는 의미이다.
19. Dissonance(moment tension-release unaccented)
20. messa di voce의 사용-weight of voice, 원활한 라인의 움직임을 위해
바로크 합창음악의 특징
1.small gesture 가 big line 을 만든다(line by line)- 큰 파트가 된다
2. text-painting, word-painting의 사용
3. 불협화음의 사용 빈번(>, u)
4. Messa di Voce의 사용(원활한 라인의 움직임을 위해)
5. Color, vibrato, weight
6. related to speech character
7. influenced by sound articulation
8. brighter, lighter
9. Dance 의 영향- in late Baroque
10. Doctorine of affection(한 작품에서 하나의 감정만 표현한다는 뜻으로 단일감정의 구현을 지향했으며, 이것을 형식보다 더 중시하였고. 이러한 특징은 교회음악과 세속음악에 구별 없이 사용되었다. 이 말은 한 악장은 하나의 템포만 가진다는 의미이다.)
11. specific figurations make you feel a certain way ex) descending 4도-반음계-lament
12.unending flow of pitches
13.repetition and sequencing charactering of a single motive(fort spinnung typus)
14. 세속음악이 교회음악보다 더 중요하게 되었다.
15. 기악음악이 더 유행하였다(concertos, trio sonatas, fugues, suites)
16. Violin 의 중요성
17. Brass join
18. French overture, Italian Sinfornia)
19. Dance forms
20. Ornamentation
21. small ensembles(10-20 players)
22. 3 voices 유행(2-violins &1 bass & basso continuo)
23. wind instruments doubled strings
24. private concert 개최(Royal concert)
바로크 합창곡 연습 시 주의해야 할 사항들
1. 바로크 합창은 거의 대부분 춤곡에 기초한다.(리듬, 템포, phrases 그리고 형식까지도)
Maintain a dancelike, transparent texture
2. 바로크 작곡가들은 가끔씩 강약 표시로 곡의 변화를 지시한다.
1. 여러 성부가 한번에 같이 나올 때
2. 성부간에 리듬적 연관성이 있을 때(호모포닉 부분이 폴리포닉 부분
보다 크게 부른다)
3. 음역 (음역이 높을 때 더 크게 부른다)
4. 악기들 ( 악기의 첨가로 더 크게 부른다 -특히 트럼펫)
이런 경우에는 악상을 더욱 크게 부른다.
Sing louder in higher, dense passages and softer in lower passages with fewer voices
3. 바로크 음악은 음악적 사고들의 정교한 겹침이 매우 많기에 항상 어떤 것이 주선율이고 어떤 것이 부선율인지 주의 깊게 분석해서 주선율을 크게 부른다.
Use the concept of " contrapuntal courtesy" : sing louder when you have principal material: sing softer when someone else has the principal material.
4. 바로크 음악은 매우 화려하다. 하지만 가사가 그 음악의 중심이며, 그 가사에 주의를 기울여야 한다. 가사의 의미를 잘 이해하고, 그 악구가 갖는 분위기에 잘 스며들어야 한다. 가사의 단어가 가지는 고유의 모양을 이해하라.
Direct phrases to the most important syllable-usually near the end of the phrase.
5. 보통 바로크 음악은 종지에 다다를수록 더 에너지가 많게 연주된다.
그 음악의 절정의 악구에 이를 때 더 많은 에너지를 모아 사용한다.
(더 많은 성부가 함께 노래하거나 음역이 넓어질 때 더 크게 부른다)
Get louder approaching cadence.
6. 리듬의 강약의 패턴을 찾는다. 음과 음에서도 마찬가지로 강약의 패턴을 찾는다. (예: For unto us a child is born). 첫 번째 음표 강세, 뒤 음표 약세.
때론, 마디에서도 강세와 약세가 나타난다. (예: Ev'ry valley shall be exalted)
Keep variety in the sound by focusing energy on strong notes and measures. In weak notes and measures, direct energy forward to the next place of strength.
7. 바로크 음악은 음악적 내용들이 가지는 고유의 모양을 잘 지켜라.
Never exaggerate articulations and dynamics: they are there to enhance the natural shape of the lines.
Melisma 부분 연습 방법을 위한 제언
1. 멜리스마 부분이 무엇보다도 흘러갈 수 있게 부르는 것이 중요하다.
2. 멜리스마 부분을 잘게 쪼개서, 먼저 주의 깊게 마지막 4-5개의 음표 부터 연습한다.
3. 연습이 잘 이루어지면 그 앞의 4-5개의 음표를 연습해서 서로 더한 다. 뒤쪽 부분에서 앞쪽부분, 역방향으로 반복 연습을 통해서 잘 흘 러 가는지, 자신 있게 부를 때까지 연습한다.
4. 멜리스마 부분이 레가토로 잘 불리어 지고, 소리가 하나가 되는지 확 인한다.
5. 모든 음표에 바운스를 준다거나, 횡경막을 너무 과하게 사용한다거나, 첫 번째 박자의 첫 음표에 액센트를 넣는 것을 금지해야 한다. 왜냐 하면 소리가 무거워지거나 음악적 라인을 통제하기 힘들다.
6. 바로크 미술품이나 건축 양식처럼 소용돌이 모양의 형태를 생각하라.
Sing Curves, Not Dots!
실습(‘메시아’ 중에서)
1. No. 2 Comfort ye my people
2. No. 4 And the glory of the Lord
3. No. 7 And He shall purify
4. No. 9 O thou that tellest good tidings to Zion
5. No. 12 For unto us a Child is born
바로크 전문가들이 추천하는 바로크 전문 음악가들과 연주단체
1. William Christie( Les Arts Florissants)
2. Paul McCreesh ( Gabrieli Consort & Players)
3. Christopher Hodwood ( The Academy of Ancient Music)
4. John Elliot Gardner ( Monteverdi Choir)